Hacking, Slashing und existentielle Angst
Spoiler-Warnung: Dieser Artikel enthält Spoiler für das erste Durchspielen von NieR: Automata.
NieR: Automata ist ein Spiel, in dem Ken-Puppen mit weißen Haaren ihren Aufstieg zur totalen Macht planen, während sich überlebende Menschen in einer Kolonie auf dem Mond verstecken. Es ist außerdem ein Spiel, in dem Androiden mit Samuraischwertern hunderte Maschinen in Stücke hauen. Zugleich ist es ein Spiel, das Existentialismus, Nihilismus und andere große Ismen auslotet, und das in einer zur Verzweiflung treibenden Vision einer Welt, die die Menschlichkeit verloren hat und sich nicht weiterentwickeln kann. Dieses Spiel ist brillant.
In NieR: Automata spielen Sie einen Androiden, der vom Androiden-Oberkommando ausgesandt wurde, die kleinen rostfarbenen Maschinen zu zerstören, die den Planeten übernommen haben. Als diese Maschinen nach Ihrer Ankunft aus Angst zu schreie beginnen, wird rasch klar, dass sie ein gewisses Maß an Bewusstsein erlangt haben. Sie haben kleine Gemeinschaften gebildet, die auf primitive Weise menschliches Verhalten imitieren. Im Herzen eines verlassenen Wohnviertels versuchen die Maschinen, Sex zu haben, während sich einige um Haufen von Ersatzteilen in Kinderwagen kümmern. In einem verlassenen Vergnügungspark befestigt eine andere Maschine tote Androiden an sich selbst und versucht so, eine opernhafte Vision von Schönheit wiederzuerlangen.
Es ist ein Szenario, das auf clevere Weise eine alte Science-Fiction-Prämisse umkehrt. Vorgänger-Rassen werden üblicherweise als unbegreifliche gottgleiche Meister der Technologie präsentiert, deren Werke als Sprungbrett für menschlichen Fortschritt fungieren. In NieR sind die Menschen die Vorgänger-Rasse und Sie sind gezwungen, die Erben der Erde bei ihrem fruchtlosen Kampf um eigene Existenzberechtigung zu beobachten, wobei sie einem wahrlich nicht perfektes Ideal nachjagen. Anfangs ist dies eine Pantomime (buchstäblich, zu einem Zeitpunkt im Vergnügungsparkbezirk), doch wenn Sie dann auf fortschrittlichere Maschinen treffen, fängt NieR an, vertraute AI-Dilemmas zu thematisieren – an welchem Punkt wird Nachahmung gleichbedeutend mit dem echten Ding?
Thematisch ist Ghost in the Shell eine offensichtliche Inspiration, und es ist wert, dieses Universum hier anzusprechen, um zu demonstrieren, wie Videospiele ähnliche Themen auf fesselndere Weise behandeln. In Ghost in the Shell geht es vordergründig um coole Cyborgs, die coole coole Cyborgs jagen, und diese Prämisse wird dazu benützt, die Parameter des Menschseins zu erforschen. Die intellektuelle Schwerarbeit erledigt der Film in langen Diskussionen über dieses Thema, doch seine wirklich transzendenten Momente kommen in zwei Montagen vor, in denen die androide Motoko Kusanagi, genannt Major, mit gläsernem Blick auf die kaleidoskopische Macht von Tokio starrt, während die teilnahmslosen reflektierenden Oberflächen der Stadt zurückstarren.
NieRs Behandlung dieses Themas ist mächtig, weil sie wie eine riesige experimentelle Montage funktioniert. Die Stadt, die Wüste und die Fabrik gehen auf unbehagliche Weise ineinander über, während Sie sich von einer melodramatischen Zurschaustellung der Maschinenkultur zur nächsten bewegen. NieR möchte ihnen rasch viele Facetten seiner Vision zeigen und die Musik und die Bilder ihre Wirkung entfalten lassen. Es zeigt Ihnen eine große Produktionsanlage, eine ausgedörrte Wüste, eine zerstörte Burg, verlassene Appartementgebäude, allesamt in gebleichtes Sonnenlicht getaucht. Die Roboter und Tiere sorgen für etwas Bewegung, doch die meisten Kulissen von NieR sind zuriefst einsam. Es ist sicher kein Zufall, dass NieRs wunderschöner Soundtrack so viel menschlichen Gesang einsetzt. Songs in leeren Räumen erklingen zu lassen, ist ein mächtiger Trick, und NieR setzt diesen Effekt gekonnt ein, um seinen melancholischen Grundton zu formen.
Videospiele sind sehr gut darin. Während Sie die Spielwelt erkunden, absorbieren Sie passiv Hinweise – Musik, Schnipsel von Dialogen, kurze Geschichten -, die zusammen eine suggestive Wirkung entfalten. In NieR deutet alles auf Trauer hin. Vieles, was die NPCs zu sagen haben, ist banal, doch sie offerieren Ihnen kurze Geschichten von Mühen und regelmäßigem Scheitern. Das Sonnenlicht wird schwächer, während es im Spiel weitergeht. Riesige Maschinen brechen aus der Erde und erinnern an extreme Wetterkapriolen, die sinnlos andere Maschinen töten. In einem besonders platten und unnatürlich deutlichen Moment treffen Sie einen Roboter namens Jean Paul, der sich fragt, was all das zu bedeuten hat. Bei oberflächlicher Betrachtung töten Sie mit coolen Schwertern hunderte Maschinen und besiegen in „bullet-hell“ Abschnitten Wellen von Feinden, doch unter all der Action ist tiefe Traurigkeit spürbar.
NieR ist eher eine Atmosphäre als eine Welt. Es ist kein Versuch, „eine Welt zu bauen“, denn dazu müsste man auch eine ansatzweise plausible funktionierende Gesellschaft schaffen, sondern die Macher möchten diese Welt dazu benützen, den Spieler in eine bestimmte Stimmung zu versetzen, in der die Themen des Spiels besser nachhallen. Wenn man den Blick über die Stadt schweifen lässt, sieht man einen Wolkenkratzer, der umgestürzt ist und an einem anderen lehnt, als wäre er der Welt überdrüssig. Wurden diese Wolkenkratzer bewusst so gestaltet, um diesen Eindruck zu erwecken? Vielleicht nicht, doch NieRs Effekte, die die Stimmung verändern, ermuntern den Spieler dazu, alles zu interpretieren und mit Bedeutung zu erfüllen und so die wunderschön gestaltete Atmosphäre der Verzweiflung weiter zu vertiefen.
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